17, 18세기의 유럽 음악을 바로크 음악이라고합니다.. 포르투갈어로 바로크 “으깬 진주“의미가 있다17, 18그것은 세기의 예술 스타일을 가리키는 용어였습니다., 동시에 1600년지역에서 1750년1900년경의 음악도 바로크였다고 한다.. 바로크 시대를 더 세분화하면 초기 1580~1630년도, 중기 1630~1680년도, 리뷰 1680~1750년으로 나눌 수 있습니다.
이번에는 역사적인, 정치, 사업, 이성론, 계몽주의의 서로 다른 사회적 상황의 중첩으로 인해 법원은, 도시, 바로크 음악은 주로 교회에서 시작되었습니다.. 이 시대의 음악은 콘티누오 기법을 사용했기 때문에 바로크 음악의 시대를 알렸다. ‘계속되는 시대‘ 부르는 사람들이 있다. 이 바로크 음악 ‘ 음표와 음표의 멜로디,율, 화성, 음악의 궁극적인 목적은 피치 등을 통해 모든 감정을 표현하는 것입니다.‘그것은 미학에 의해 뒷받침됩니다.
바로크 음악이라는 용어는 역사가마다 다르게 사용되었습니다., 약 1600년제조 연도부터 150수년에 걸친 음악 스타일을 나타내는 용어로 사용됩니다.. 바로크라는 단어가 건축에서 처음 사용된 것으로 알려져 있지만,, 엄밀히 말하자면 1733년장 필립 라모의 오페라 초연 《이폴리트와 아리시》익명의 리뷰에서 처음 사용되었습니다.. 1734년년도 “머큐어 드 프랑스”잡지에 실린 리뷰에 따르면 오페라의 일관되지 않고 불협화음 멜로디., 끊임없이 변화하는 키와 템포, 바로크라는 단어는 매우 빠른 발전을 비판하는 데 사용됩니다..
장 자크 루소, 음악가이자 철학자 1768년자신의 책을 썼다 “백과 사전”에서 다음을 말한다.
“바로크 음악은 하모니가 혼란스럽고 변조와 불협화음으로 가득 찬 음악입니다. 보컬은 거칠고 부자연스럽고 억양이 어렵고 움직임이 제한적입니다. 논리학자들이 사용하는 ‘바로코’라는 말에서 유래한 것 같다”고 말했다.
(바로크 음악은 혼돈의 하모니, 이 단어는 변조와 불협화음으로 가득 찬 음악을 말합니다.. 노래가 날카롭고 특이하다, 올바른 피치로 노래하기가 어렵습니다.. 움직임이 단조롭다. 철학자들의 말 ‘바로크’에서 나오다.)
음악 역사가들은 음악 시대를 분류하기 위해 이 단어를 사용하기 시작했습니다. 1919년1년이다. 여러 나라의 학자들이 저마다의 분석을 통해 바로크 음악의 시대화를 제시해 왔다.. 그러나 바로크 음악이라는 용어가 동시에 제시되었기 때문에 연대기에 대한 합의가 필요하게 되었다.. 1960년시간 합의에 도달했을 뿐입니다. 그러나 르네상스 음악, 바로크 음악이라는 용어는 결국 클래식 음악과 구별하기 위해 도입되었으며 오늘날에도 여전히 널리 사용되고 있습니다..
초기 바로크 음악
후기 르네상스에게 인문학자, 시인, 음악가들은 음악과 연극에 대해 토론하기 위해 Camerata라는 그룹을 결성했습니다.해 여러 토론듣다 했다모두. 그들은 고대 그리스 뮤지컬 극장을 최고의 예술로 여겼습니다., 화성과 함께 기악 제외그는 솔로이스트가 키타라의 반주에 맞춰 노래하는 모노디의 아이디어를 발전시켰다.. 자코모 페리의 아이디어 “다프네”, “로우리디체”오페라의 시와 바로크 음악일하다알림.
피렌체에서 monodi가 개발되었을 때, 기악은 베네치아 학교에서 발전합니다.. 더 풍부한 카레, 공상, 칸조네가 개발했습니다., 독일에서 온 하인리히 쉬츠는 후에 베네치아 악파의 음악을 배워 독일에 새로운 음악을 들여왔다. 잘 아는모두.
또한 이 시대에 화성의 중요성에 대한 강조가 한몫한다.뭔가를 베이스 컨티누오는 유럽 전역에 퍼졌습니다.. 이 컨티뉴오와 하프시코드를 확인하세요, 오르간, 류트 연주자는 베이스 라인을 만들기 위해 즉흥적으로 보이싱을 했습니다.~였다모두. Carlo Gesualdo와 같은 작곡가는 화성 진행에 관심을 갖게 되었습니다., 결과적으로 음악은 선법보다는 키에 기반한 조성을 따랐다., 이것은 시간의 격변을 가져옵니다.. 작곡가들은 작곡의 감각을 선율의 진행을 넘어 화음의 진행에 주목했다., 구도를 더 명확하게 하기 위해 종지법 등의 구성 기법 계속 ~ 이다모두. 이러한 변화는 Claudio Monteverdi에서 절정에 이릅니다.. Monteverdi는 르네상스 다성음악과 continuo를 변형하여 각각 prima fractica와 seconda fractica라는 장르를 만들었습니다.속이는모두. 그만큼그런 새로운 시도 《로르페오》그리고 《L’incoronazione of Poppea》비평가들의 관심을 끌었습니다. 바로크 시대를 연 몬테베르디.
음악가로서 당신은 조화로운 진행, 관용적 연주에 주의를 기울입니다.수업 화성의 사용이 증가하기 시작했습니다.. 불협화음을 불규칙하게 삽입하는 기법이 류트에 등장했다., 그 후 Louis Couperin과 Jean Le Long d’Alembert는 이 기술을 chembalo에 도입했습니다.켜져모두. 이러한 영향은 나중에 Johann Sebastian Bach와 Friedrich까지 퍼졌습니다.약간 뒤틀리게 하다 쇼팽의 음악에서도 찾아볼 수 있습니다..
미들 바로크 음악
루드비히 14절대왕정 시대로서 3대가 대표하는 부와 권력애정그것에 집중하기 시작. 따라서 음악의 중심은 자연스럽게 교회 안의 궁전이 되었다.애정어떻게 움직이는가, 회랑보다 궁전에 가깝습니다.애정의 공간에서의 연주에 적합한 실내악했다모두.
Jean-Baptiste Lully는 이 시기를 대표하는 인물입니다.적 작곡가그만큼모두. Lully는 당시 프랑스 궁정에서 고용된 유일한 작곡가였습니다., 최초의 지휘자 중 한 명. 긴 스태프와 함께 공연했다그것은 말했다. Lully는 현악기에 초점을 맞춘 오케스트라를 결성했습니다., 이 구성 이후 이탈리아 오페라를 거쳐 현재에 이르고 있다..
이탈리아에서 1630년1960년대 칸타타, 오라토리오, 오페라는 새로운 형태의 성악이다., 가사에 맞게 멜로디와 하모니를 편곡하는 기법그만큼 발명되어 큰 박수를 받다. 더 단순하고 짧은 멜로디가 나타납니다., 사라방드, 쿠란트 등의 춤과 어우러지는 리듬사용될 시작하다했다모두. 또한, 화성그만큼 간단하고 쉬운아래에, 콘티누오가 사용된 베이스 라인은 그 자체로 목소리로 기능하기 시작합니다.. 이 단순화된 화성 이론으로 레치타티보와 아리아가 독립적인 음악 형식으로 등장합니다.. 자코모 카리시미의 오라토리오, Francesco Cavalli의 오페라는 유명합니다..
이 기간 동안 Arcangelo Corelli는 새로운 바이올린 연주 기술과 교육 방법도 개발했습니다., 완전히 악기로 구성된 음악을 작곡하기 시작합니다. 나. 앙상블 콘서트. 코트 안에서만 이루어졌던 룰리의 활동에 비하면, Corelli는 유럽 전역에서 그의 작곡 악보를 출판하고 콘서트를 열었습니다. 했다모두. 콘서트와 트리오 소나타에서 Corelli는 볼륨의 급격한 변화와 빠르고 느린 움직임을 번갈아 가며 선보였습니다., 그의 제자 안토니오 비발디(Antonio Vivaldi)가 그 뒤를 이어 소나타 스타일의 표준이 되었습니다..
반면에 독일에서는 Dietrich Buxtehude가 교회 음악의 전통을 이어갔습니다.. Buxtehude는 교회에 부임한 후 다양한 전례에 따라 음악을 작곡함으로써 전통을 이어갔습니다.나간다. 교회 앞 강림절 음악(저녁 음악)라는 콘서트를 계획하고 있었는데, 여기서 공연되는 종교 연극은 오페라와 동일시됩니다. 사람들이있다.